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Actitud

Desde que empecé en el ámbito de la producción cultural contemporánea con Javier Marroquí,  siempre hemos mantenido una línea de trabajo vinculada al arte de compromiso social. En su  evolución, el arte actual ha seguido un proceso de desmaterialización progresiva, las obras han  pasado de ser objetos a ser acciones y procesos. Uno de los aspectos que más destacaría en  esta evolución es la actitud de los artistas a la hora de afrontar desde el arte problemáticas sociales concretas. Durante varios años nos dedicamos a estudiar las que llamamos “potencialidades  críticas positivas” de la sociedad. Con este nombre nos referíamos a la capacidad de algunos  agentes sociales de hacer “crítica positiva”. ¿Qué significa hacer crítica positiva? Si entendemos  por “crítica negativa” aquella que se refiere a problemáticas sociales basándose en la denuncia  de hechos e injusticias, la “crítica positiva” sería aquella que supera esa postura de denuncia  centrada en una queja pasiva y adopta una actitud propositiva, señalando el problema, pero al  mismo tiempo, sugiriendo soluciones o ensayando alternativas que permitan superar ese problema (Marroquí, J. 2008). 

En nuestro proyecto “Positive Critical Imagination” (2008) llamábamos la atención sobre el hecho  de que la mayor parte de la producción artística dedicada a la crítica, se hace desde una perspectiva negativa. Al hablar de producción artística incluimos no solo los trabajos de artistas, también el realizado desde el comisariado, centros de arte y medios de difusión, especializados o no.  El resultado es un panorama general dominado por el pesimismo, cayendo con frecuencia en la  representación del drama y en el peor de los casos, en su estetización. Ambos tipos de crítica  son importantes y necesarios, pero las propuestas que surgen desde una crítica positiva, están  en una mayor sintonía con nuestro tiempo y demuestran mayor poder de transformación social.  Este tipo de crítica es una oportunidad de cambiar el discurso de la negatividad por otro más encaminado a conseguir un mundo mejor.  

A lo largo del tiempo que hemos dedicado a este tema hemos visto como las fronteras entre el  arte y el activismo social eran cada vez más difusas, artistas adoptando estrategias de grupos  activistas y activistas usando expresiones y soluciones creativas que venían del mundo artístico.  Está claro que en todos los casos había un objetivo común, buscar un mundo mejor. Una de  nuestras citas preferidas de Antonio Negri es “Siempre es posible crear nuevos mundos”, leyendo a Antonio Negri y a Michael Hardt descubrimos que el concepto de Multitud, encajaba perfectamente con lo que estábamos observando en la obra de algunos artistas y agentes sociales  que trabajan desde la crítica positiva.  

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Imperio y Multitud 

Imperio, Multitud y Commonwealth componen la trilogía escrita por Negri y Hardt, el segundo de  estos libros, Multitud, es el hilo conductor de Actitudes singulares. A continuación, comparto algunas ideas que se extraen de la lectura del libro.

 Todas las citas entrecomilladas pertenecen a Negri y Hardt. 

Antes de hablar del concepto de multitud conviene aclarar un concepto previo, el de “imperio”.  Negri y Hardt utilizan este término para hablar de una nueva forma global de soberanía cuyo poder está por encima de cualquier estado-nación. El imperio está constituido por una serie de organismos nacionales y supranacionales que se unen para establecer un dominio. El concepto de  imperio no tiene nada que ver con el imperialismo, esta forma de soberanía adopta una estructura  diferente, una estructura en red, sin centro ni fronteras, donde por supuesto se encuentran algunos de los estados-nación más poderosos como EEUU pero son una parte del Imperio, la red la  completan las principales corporaciones capitalistas y las instituciones supranacionales como el  Fondo Monetario Internacional (FMI), el Banco Mundial (BM), las Naciones Unidas (UN), la Organización Mundial del Comercio (OMC)… 

Negri y Hardt describen el concepto de multitud como un ser social formado por singularidades  comunes, sin forma determinada, como una “nueva carne” que se ha convertido en el centro de  la producción y reproducción de la sociedad contemporánea y que dispone del potencial necesario para crear una sociedad diferente, una sociedad alternativa. “Somos una multiplicidad de  formas de vida singulares que al mismo tiempo comparten una existencia global común” La  multitud es parte del imperio, pero también es su reverso, una fuerza con capacidad para aprovechar las estructuras y estrategias de este y hacerle frente construyendo un contra imperio. “La  globalización también crea nuevos circuitos de cooperación y colaboración que se extienden por encima de las naciones y de los continentes y que hacen posible un número ilimitado de encuentros.” 

En Multitud, Negri y Hardt diferencian el término de multitud del de pueblo, el de masas y el de  clase obrera. Cuando se habla de “pueblo” el pueblo es uno, “muchos individuos bajo una misma  identidad”. Al hablar de masas, en ellas existe diversidad, pero en el fondo predomina la indiferenciación. Cuando se habla de masas, las diferencias de las personas que componen esos grupos desaparecen en el conjunto, son grupos de personas dirigidos que no toman decisiones por  sí mismos. El concepto de clase obrera es muy limitado, ya que estrictamente englobaría sólo a  los trabajadores industriales, dejando fuera a agricultores y otros trabajadores, si entendemos el  concepto de clase obrera de una manera más amplia abarcaría a todos los asalariados, pero seguiría dejando fuera a todas aquellas personas, en su mayoría mujeres, que se dedican a trabajos  no remunerados. 

El concepto de multitud es mucho más inclusivo, la multitud no está unificada, se compone de un  conjunto de singularidades que comparten un contexto común en el que viven. Es un sujeto activo diferente y múltiple, su construcción y acción se fundamenta en lo que hay en común, pero lo  más interesante es que ese conjunto de singularidades al relacionarse está produciendo lo común. Para Negri y Hardt la comunicación y colaboración de la multitud no se basa tanto en lo que  tienen en común sus componentes sino en lo que producen en común, a este tipo de producción  la llaman “producción biopolítica” y esta alcanza a todos los aspectos de la vida (social, eco nómica, cultural y política). “Compartimos la vida en este planeta, compartimos regímenes  capitalistas de producción y explotación, y compartimos sueños comunes acerca de un fu turo mejor. Por consiguiente, nuestra comunicación, colaboración y cooperación no se basan solo en lo común existente, también producen a su vez nuevos elementos comunes.” 

En el libro Multidud encontramos un relato titulado “Dos italianos en la India”. En 1961 Alberto  Moravia y Pier Paolo Pasolini viajaron juntos a la India, luego cada uno escribió un libro a partir de  esa experiencia. Moravia escribió Un’ idea dell’ India centrándose en las diferencias, tratando de  explicar en que aspectos los europeos nos diferenciábamos de los indios. Pasolini en cambio,  escribió L’odore dell’India explicando todas las similitudes que encontraba con Italia, olores, ritos, los niños… siendo su conclusión que la India es igual a Italia. Hardt y Negri critican las visiones  de ambos al hacer un acercamiento tomando Europa como la referencia en la que se basa la  comparación, esta visión les limita y les impide apreciar las singularidades de la India. “Una vez  que hemos reconocido la singularidad, lo común empieza a emerger.”  

Una de las preocupaciones de Hardt y Negri es saber ¿Cómo puede tomar decisiones la multitud? Para ellos la respuesta podría estar en la analogía que hacen del cerebro humano, no existe  una neurona que toma las decisiones sino una multitud de ellas que se coordinan y se ponen de  acuerdo. Del mismo modo que la multitud “produce en común y produce lo común” también podría llegar a tomar decisiones a nivel político. “La inteligencia del enjambre, todos juntos somos más inteligentes que cualquiera de nosotros en solitario.”  

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La guerra como obstáculo de la multitud  

Para Negri y Hardt existe una posibilidad de contar por primera vez con una democracia a escala  global, el obstáculo que nos separa de alcanzar esa democracia es el “estado de guerra global”  en el que vivimos. Hasta ahora las guerras se libraban entre entidades soberanas, normalmente  estados-nación pero con el declive de estos, está cambiando también la guerra. Ambos autores  consideran que actualmente el estado de guerra es permanente y ontológico, incluso en el caso  en que no se haya desatado, existe en todo momento la amenaza de que ésta pueda empezar en  cualquier instante y con unas consecuencias a escala global que afectarían a todos. Para Negri y  Hardt la clave para entender el estado de guerra actual está en dos sentidos de la palabra “excepción”. En la modernidad la guerra era la excepción y estaba reservada para conflictos externos entre estados y la paz era la norma. Con el declive de los estados-nación y el estallido de lo  que los autores consideran guerras civiles del imperio, se termina con la idea de que la guerra  quede confinada a situaciones de excepción, “El estado de excepción se ha vuelto permanente y generalizado”. Teniendo en cuenta el estado de excepción desde un punto de vista jurídico,  este conlleva la suspensión de la constitución y otorga más poder al ejecutivo para proteger al  estado. Con esto se llega a la paradoja de que para salvar la constitución haya que suspenderla,  aunque se supone que el periodo de excepción ha de ser breve. ¿Pero qué ocurre si esta situación temporal no es breve? ¿Qué ocurre si se hace indefinida? Si el estado de guerra es global y  permanente la suspensión de la democracia acaba por ser permanente, los estados se vuelven  autoritarios y la democracia se torna imposible. 

El otro sentido al concepto de excepción es la hegemonía de EEUU, uno de los estados que forma el Imperio. La guerra se ha convertido en la base de todas las relaciones de poder, no solo  controla a la población, sino que produce y reproduce todos los aspectos de la vida, es un régimen de biopoder, un proceso que regula el orden global para el Imperio. 

El poder siempre depende de las resistencias, por ello los gobiernos dedican recursos para estudiar todas las formas de resistencia, conociéndolas pueden trabajar en la contrainsurgencia. El  imperio no se enfrenta a un estado enemigo, se enfrenta a una red distribuida (sin centro) y asimétrica. Para enfrentarse a esta nueva forma la solución pasa por adoptar esa forma de red en la  medida de lo posible.  

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El trabajo inmaterial, combustible para la multitud 

Para entender el estado de guerra global hay que revisar las transformaciones del trabajo y ver  como estos cambios han afectado a los movimientos de resistencia. En la actualidad el trabajo  inmaterial ha adquirido una importancia, en términos cualitativos, que ha desplazado a otras formas de trabajo que tuvieron todo el peso en el pasado. Aunque los trabajadores que se dedican a  la producción inmaterial sean una minoría en comparación con el total de los trabajadores, las  características del trabajo que producen están transformando el resto de formas de trabajo. 

El trabajo inmaterial “produce bienes inmateriales tales como información, conocimientos,  ideas y afectos”, sus capacidades transformadoras tienen un doble filo, características positivas  y negativas, entre las últimas encontramos: la dificultad de separar el horario laboral del tiempo  libre, la facilidad con la que la empresa puede entrometerse en la vida del trabajador, las condiciones de flexibilidad que precarizan contratos y horarios. Del lado positivo encontramos, la imposibilidad de reducir el trabajo inmaterial al ámbito económico, este tipo de trabajo se desborda  y afecta a la producción y reproducción de “ideas conocimientos y afectos”, es biopolítico en tanto en cuanto “está orientado a la creación de formas de vida social”. Otra de las características  del trabajo inmaterial es que este se realiza en común y por su naturaleza va creando relaciones  de colaboración que a su vez producen más conocimiento.  

A partir de 1968 empieza a cambiar la forma de los movimientos de resistencia debido a las  transformaciones en la fuerza del trabajo, incluso las guerras de guerrillas empiezan a cambiar  para adaptarse a las condiciones de la producción posfordista, abandonan el campo y se adaptan al ámbito urbano creando sistemas de información, comunicación, cooperación y estructuras  en red formando sistemas descentralizados o policéntricos. “Las nuevas dimensiones del poder exigen nuevas dimensiones de resistencia”. Ya en los años 90 el Ejército Zapatista de Liberación Nacional (EZLN) fue todo un referente por el dominio de la comunicación, la tecnología y  por basar su organización en estructuras reticulares horizontales y descentralizadas.  

En las luchas desarrolladas durante las últimas décadas del siglo XX se forja la relación entre resistencia y desobediencia. Aparecen los movimientos organizados en base a políticas identitarias y más tarde los movimientos antiglobalización, todos ellos tienen en común rasgos que los  identifican como la resistencia de la multitud, son organizaciones basadas en modelos en red  distribuida, no se identifican con ningún partido ni siguen a un líder, se reafirman en sus diferencias y son capaces de organizarse y trabajar juntos por intereses comunes usando estrategias de  toma de decisiones democráticas. 

Hasta las protestas de Seattle, los movimientos de protesta se regían en base a dos modelos, los  que encarnaban una lucha unitaria que estaba encabezada por un líder o la figura de un partido o  las luchas identitarias que rechazaban la idea de liderazgo y se basaban en la afirmación de sus  diferencias. Con Seattle los distintos grupos se organizaron en común sin tener que renunciar a  sus diferencias, potenciando la idea de comunalidad y singularidad en detrimento de la de identidad y diferencia. Esta experiencia se convirtió en la primera protesta global y en un modelo de  movilización de lo común, un ejemplo de «red abierta y distribuida” capaz de crear desde lo común. En Seattle se unieron protestas de distinto origen con un denominador común, eran cuestiones que afectaban de manera global. Se protestó contra las prácticas de las multinacionales  agroquímicas, contra la deuda que esclaviza a las economías más pobres, contra las políticas de  control que impone el FMI, contra el estado de guerra permanente, etc. 

Las protestas fueron pacíficas pero los medios de comunicación tienen especial interés en mostrar los episodios más violentos, aunque estos no sean representativos de la protesta. El abuso  de la fuerza por parte de la policía fue incrementándose en citas posteriores dejando un herido  grave en Goteburgo y un muerto en Génova durante la cumbre del G8. 

El sistema de la globalización capitalista nos ha llevado a un sistema de desigualdad laboral en el  que se dibuja un mapa mundial de la explotación diferenciando el valor de la mano de obra por  su localización geográfica, ya sea a pequeña escala dentro de una misma ciudad o de un estado,  o a una escala más grande. Las grandes empresas aprovechan las diferencias en legislación y en  materia laboral para deslocalizar fábricas y reducir costes, este tipo de prácticas sirve como  amenaza para los trabajadores de países del norte. 

“La división entre empleados y desempleados tiende a desaparecer, en la era posfordista  ya no hay empleo estable, cuando se menciona la flexibilidad laboral, en realidad lo que nos  están diciendo es que ningún puesto de trabajo es seguro.”

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La privatización de lo común 

Las formas de producción de conocimiento tradicional no son reconocidas, quedando en una  posición de debilidad todos los productos fruto de ese conocimiento, éstos deberían ser considerados patrimonio común de la humanidad. En Multitud, Negri y Hardt cuentan el caso del árbol  nim de la India, desde hace siglos que los agricultores indios muelen la semilla de este árbol y la  utilizan como insecticida natural, en 1985 una multinacional química consiguió una patente para  utilizar un pesticida basada en el nim. Algo parecido ocurrió con otras empresas que obtuvieron  patentes por la utilización de la cúrcuma. Muchas de estas patentes han sido recurridas sin éxito,  en el caso de la cúrcuma se consiguió anular ya que había estudios científicos publicados con  anterioridad a la patente y recogían el uso medicinal de la cúrcuma, pero de no haber sido así la  ley no habría revocado la patente. La ley sólo protege la propiedad intelectual si existe una actividad científica formal que reconozca ese conocimiento.  

Recientemente la macro química Bayer ha comprado Monsanto, un gigante estadounidense que  se dedica a fabricar agroquímicos y biotecnología para la agricultura. Esta empresa tiene el monopolio de la ingeniería genética de las semillas, además se le atribuye la invención del agente  naranja utilizado en la guerra de Vietnam. Los cultivos genéticamente modificados son un arma  de doble filo, podrían ser beneficiosos ya que son más resistentes a plagas y a condiciones me teorológicas, pero también pueden ser una amenaza para la salud. Lo que piden Negri y Hardt es  que exista un control democrático sobre estos procesos de investigación científica. 

“La cuestión fundamental no es que los humanos estén cambiando la naturaleza, sino que  la naturaleza está dejando de ser común para convertirse en propiedad privada y controla da por sus propios dueños”  

Es paradójico que las leyes de patentes y propiedad intelectual estén para fomentar la creatividad  y proteger la propiedad inmaterial pero esa protección suponga un obstáculo para acceder a conocimiento impidiendo así que otros trabajen a partir de esas ideas y sigan innovando y creando.  En disciplinas científicas como la microbiología o la genética el progreso está supeditado a la colaboración y a la apertura del acceso a la información. 

En 2013 un joven estadounidense, Aaron Swartz, terminó suicidándose ante el acoso que sufrió  por el FBI. Swartz fue condenado a 35 años de cárcel por liberar diferentes artículos de carácter científico para que todo el mundo pudiera tener libre acceso a ellos. Después de su muerte se  supo que comenzó a ser investigado por el FBI a partir de la publicación del “Manifiesto de la  Guerrilla por el Acceso Libre”, este texto era una defensa a la acción de liberar información en  beneficio de la humanidad (Radi.MS 2014). 

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Herramientas de la multitud

Negri y Hardt concluyen que la democracia es el único camino para que se consolide el poder de  la multitud. ¿Pero qué tipo de democracia es la que necesita la multitud? Aquí es donde aparece  el problema de la representación. En la mayoría de democracias el gobierno de todos se ve reducido al gobierno de uno solo por la vía de la representación, los representantes son elegidos y por  un periodo más o menos largo de tiempo tienen libertad para tomar decisiones que afectan a los  representados sin que estos puedan hacer nada si no están de acuerdo con esas decisiones. Sin  embargo, existen otros modelos interesantes como el de la “representación vinculada”, donde los  representantes están más controlados, los mecanismos suelen estar relacionados con un mayor  número de elecciones y con la posibilidad de revocar a los representantes si estos no cumplen  con los intereses de los representados. 

La democracia no puede terminar en la elección de un representante y dejar todo en sus manos,  es necesario que se reduzca la distancia entre representantes y representados y para ello debe rían establecerse mecanismos que garantizaran más control más participación de la ciudadanía  en las decisiones que toman los gobiernos. “Necesitamos concebir formas diferentes de re presentación, o tal vez nuevas formas de democracia que superen el paradigma de la re presentación.” Cuando la representación falla, cuando la ciudadanía, el pueblo o la multitud no  se sienten representados se socava la soberanía. “La soberanía es un sistema de poder dual”  no hay que olvidar que para que uno gobierne necesita que haya otro que consienta ser gobernado. 

En este sentido la desobediencia civil es otra estrategia a tener muy en cuenta cuando desde  los gobiernos se intentan imponer leyes que crean situaciones injustas para la sociedad. El ejercicio de la desobediencia civil, es una invitación a tomar conciencia y pasar a la acción. Esta acción ha de ser consciente y pacífica y puede servir para cuestionar esas leyes, hacer reflexionar  sobre ellas hasta modificarlas (Mateos, J. 2018). El texto escrito por Henry Thoreau en 1849 “Del  deber de la desobediencia civil” ha sido el referente para la lucha por los derechos civiles, influyendo a personas como Mahatma Gandhi o Martin Luther King y a muchos activistas que aplican  esta desobediencia civil al sistema tributario (desobediencia civil económica2) negándose a pagar  impuestos que financian actividades con las que no están de acuerdo.  

Siguiendo la vía de la reforma económica, otra estrategia interesante que se podría llevar a cabo  es la implantación de la Tasa Tobin de ayuda a los Ciudadanos, un impuesto para gravar las  transacciones monetarias internacionales con la que los estados podrían recaudar fondos, esta  medida limitaría la especulación y por tanto la volatilidad de los mercados financieros. Hardt y  Negri matizan que para que esta estrategia fuera más efectiva, la recaudación de esos fondos no  la debería llevar el estado sino un organismo democrático global. 

 Para más información consultar el “Manual de Desobediencia Económica” editada por derechoarebelion.net en 2013 2 bajo licencia Creative Commons. 

Otra estrategia podría ir encaminada a limitar la vigencia del copyright, 150 años son muchos y  más teniendo en cuenta que la liberación de algunas patentes de fármacos podrían salvar miles  de vidas. Además, el acceso libre a la información y a las ideas podría tener un efecto positivo al  estimular la investigación y la creatividad. Actualmente existe un debate sobre la limitación de  qué se debería poder patentar, por ejemplo la legitimidad de patentar formas de vida creadas  científicamente.  

Las licencias Creative Commons son una alternativa interesante al copyright, en ellas los autores  pueden acogerse a distintos tipos de licencias en los que se pueden definir para que usos permiten la cesión de los derechos de la obra conservando los derechos de autoría y manteniendo el  control para los usos no permitidos.

Es paradójico que Hardt y Negri apunten a estas estrategias como parte de las herramientas de la multitud y que lue go sus publicaciones estén protegidas por copyright.

En el extremo opuesto al copyright tendríamos el movimiento “open source” que se basa en crear software con código abierto que puede ser copiado y modificado para desarrollar otros  programas por otras personas. Esta filosofía de trabajo tiene mucho que ver con la inteligencia de  la colmena y la capacidad de bioproducción de la multitud.

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Herramientas del arte al servicio de la multitud 

El arte como forma de trabajo inmaterial, tiene un poder transformador en la sociedad. Aunque  los artistas son conscientes de las limitaciones de este poder, quizás no consigan cambiar el  mundo a nivel global, pero si pueden influir a nivel micro en la sociedad. La creatividad del campo  artístico es una fuente de recursos para mostrar caminos y vías poco exploradas, inspirando y  animando, demostrando que existen alternativas al Imperio, construyendo relatos encarnando  actitudes valientes e inteligentes que pueden ser contagiadas como un virus. 

Para Actitudes Singulares he propuesto 22 obras de 10 artistas, trabajos que enlazan con distintos conceptos relacionados con la multitud y actitudes de resistencia. Esta selección puede funcionar como un archivo de fichas abierto, de modo que se puedan identificar más ejemplos de  actitudes críticas positivas para que ese archivo crezca con aportaciones de los participantes. 

Entre los trabajos seleccionados que paso a comentar brevemente, encontramos obras que funcionan como mecanismos y resortes, imágenes y relatos que nos empujan a una toma de con ciencia y a dar un paso hacia la movilización, hacia una resistencia activa. Las artistas y los artistas que se citan no crean objetos y si los crean son herramientas para ser usadas. Son artistas con un perfil investigador, hacen referencia a realidades sociales y con sus obras responden a  problemas reales. No son obras para la contemplación, son obras con una función determinada  que nos muestran que es posible adoptar una actitud comprometida enfocada a buscar solución  a los problemas.  

En esta selección también he querido incluir algunos ejemplos de obras que estarían cerca de la  crítica negativa, como el caso de The column de Adrian Paci. Un vídeo documental que ejemplifica como pocos, hasta donde está llegando la globalización de la economía mostrando como es  el trabajo en un “barco fábrica”. En esta obra hay un detalle lleno de simbolismo, un mensaje que  va implícito en la decisión de que la columna se exponga tumbada y no en posición vertical, las columnas siempre han sido un símbolo de poder y ésta en concreto es el resultado de un modelo  de producción extremo al que nos está llevando la globalización de la economía. 

Las obras de Oliver Ressler nos hablan del poder de la multitud, de cómo ésta puede hacer frente al imperio movilizándose y organizándose. La reapropiación es un recurso que aparece constantemente en las obras propuestas, reapropiación de espacios, de bienes de ideas, técnicas y  conceptos. En too big to fail una multitud demasiado importante para fallar, se apropia de la frase  utilizada para justificar rescates bancarios para asignarla a la multitud.  

Escif también estaría cercano a la línea de crítica negativa, de hecho, en muchos de sus trabajos  lo está, pero sus obras suelen hacer de interruptor para activar la reflexión sobre diferentes temas  que hacen referencia por ejemplo, a la corrupción, alienación del individuo o a los efectos de la  globalización. Pero algunas obras murales como Opór o Gaua Gurea Da! / Errekaleor (La noche es  nuestra), son un llamamiento a la resistencia de grandes dimensiones, no sólo por su tamaño  físico sino por la carga simbólica que contienen. En proyectos como Breath project la implicación  va más allá de tocar las conciencias y dar coraje a aquellos que resisten, en este caso hablamos  de un proyecto que pretende una transformación real solucionando un problema concreto. 

La obra de Tue Greenfort Exceeding 2 degrees también consigue transformar la realidad a nivel  local. El proyecto consiste en conseguir reducir el consumo de energía variando la temperatura  de la sala de exposiciones, en este caso la obra se convierte en un mecanismo que obliga a la  institución a modificar parte de su funcionamiento. Esta acción que puede parecer simple requiere un trabajo importante de mediación, sobre todo cuando el centro de exposiciones no tiene suficiente autonomía y depende de un ente superior. Si aplicar un cambio de temperatura en un  centro de arte público ya supone un reto burocrático, conseguir que la institución cuantifique el  ahorro y lo destine a compensar el impacto ambiental que genera comprando una porción de  bosque, el ejercicio de inversión de poder es muy elevado.

 Estamos acostumbrados a que sea justamente al revés, las instituciones son las que imponen las reglas y las condiciones que los artistas/ciudadanos han de cumplir. 

Este proyecto también es interesante porque enlaza con la idea de “consumo consciente”, cuando hablamos de democracia lo hacemos con la idea de participar votando, pero hay que tener en  cuenta que con nuestros actos de consumo cada día también votamos, damos soporte a grandes corporaciones que representan intereses concretos. Desde el punto de vista del consumidor  tenemos el poder de no apoyar a determinados grupos de empresas buscando productos alternativos apoyando por ejemplo el comercio justo, las pequeñas cooperativas, los productos de  proximidad y exigiendo un comportamiento ético a las empresas que nos suministran productos  y servicios. No podemos delegar esta responsabilidad a los gobiernos, ya que estos se someten  al poder del imperio, hay muchos ejemplos de multinacionales que amenazan con trasladar la  producción deslocalizando sus fábricas a países donde la mano de obra o la legislación les resulta más beneficiosa. Los estados terminan relajando sus mecanismos reguladores y cediendo a  los intereses de estas grandes empresas. 

Carolina Caycedo en Day to day, uno de sus proyectos a largo plazo (de 2002 a 2009) llevó a la  práctica la idea utópica de vivir sin dinero, recuperando el trueque como estrategia para procurarse los productos y servicios que necesitaba y demostrando que esta técnica favorece la creación de relaciones personales. En esta línea de trabajo otros artistas como, por ejemplo, Julieta  Aranda y Anton Vidokle, han recuperado la idea de los bancos del tiempo para crear redes de colaboración en las que se consigue prescindir del dinero.  

Otro proyecto desarrollado a largo plazo en varias ciudades es Distributive Justice de Andreja  Kuluncic. Podemos considerar este proyecto como una herramienta de investigación y de promoción de la participación. Cada participante puede colaborar aportando su opinión sobre temas  relacionados con el reparto de bienes comunes a escala global. Una de sus virtudes es que el  proyecto va creciendo con las colaboraciones de cada participante, todo suma y a medida que  su archivo viaja y se usa se hace más completo. 

Con el trabajo de Nuria Güell entramos de lleno en el terreno del arte como herramienta para  atacar a problemas concretos, aunque sea a nivel local. Su trabajo se basa en utilizar diferentes  estrategias para invertir las relaciones de poder, las estrategias que utiliza son las mismas que  emplean las grandes empresas y los estados, pero ella las usa al servicio de la ciudadanía. Sus  proyectos suelen poner a la institución en situaciones comprometidas, más aún cuando se trata  de instituciones públicas y se utiliza parte de su presupuesto para promover la desobediencia civil. Para su proyecto Arte político degenerado, protocolo ético realizado en el MNCARS la artista  creó una sociedad anónima en un paraíso fiscal para después donarla a un grupo que actúa de  forma local en un proyecto de desarrollo de economía autónoma, de esta forma pueden evadir  impuestos y quedar fuera del alcance de organismos como el BCE o el FMI. Cuando crearon esa  sociedad en un paraíso fiscal, utilizaron el dinero de destinado a la producción artística para conseguir asesoramiento profesional, sus asesores fueron los mismos a los que recurrieron reconocidos políticos y empresarios para desviar fondos públicos y evadir impuestos. 

Para el proyecto Oficina de rescate invertido Güell repite la misma técnica, utiliza el dinero y los  recursos de la institución, en este caso para montar una oficina de asesoramiento al ciudadano,  en ella se informa sobre técnicas de desobediencia fiscal, no se trata de dejar de pagar impuestos sino de decidir a qué se debe dedicar ese dinero recaudado. 

Dos de los proyectos seleccionados tienen como protagonista la educación en las aulas, Güell  afirma que la escuela y el museo son instituciones que deberían potenciar la capacidad crítica de  las personas. En Disuasión la herramienta que presenta tiene forma de unidad didáctica para explicar algo que normalmente no se enseña en las aulas, la unidad didáctica comienza explicando  el origen del dinero en la historia, para más tarde hablar de la aparición de los bancos y de cómo  funcionan, concretamente le interesa explicar cómo los bancos crean el dinero a partir de la deuda de los demás. Esta es la base del proyecto llevado a cabo por Enric Duran, un activista que  llegó a expropiar a los bancos casi medio millón de euros con una estrategia basada en pedir  préstamos que no pensaba devolver. Para este proyecto, Durán colaboró con Güell impartiendo  esta unidad didáctica a alumnos de 3º de ESO.  

Su otro proyecto relacionado con las aulas, es Rambo, un proyecto dedicado a sabotear las técnicas de reclutamiento que lleva a cabo el ejército de EEUU en las escuelas de las zonas más  pobres. En esas campañas de reclutamiento se utilizan conceptos como, la aventura, la patria o  la seguridad nacional, para embaucar a jóvenes de 17 años y llevarlos a una guerra para defender  intereses muy distintos. La manera de sabotear estas campañas es realizar unos talleres con un  veterano de la guerra de Irak que cuenta de primera mano lo vivido en sus años de militar destinado a una zona de conflicto. Los talleres se realizan un año antes de que empiecen las campañas de reclutamiento. 

Marta de Gonzalo y Publio Pérez Prieto además de ser artistas audiovisuales son profesores de  secundaria, con No renunciamos rememoran antiguos proyectos de educación alternativos como  las misiones pedagógicas. En su trabajo la educación juega un papel central ya que sólo con individuos bien formados intelectualmente y con capacidad crítica se conseguirán cambiar las  dinámicas de un sistema global que prima los intereses de los mercados sobre los de las personas. Baila la contrarreforma es un vídeo que en un primer momento podría parecer un ejemplo  de crítica negativa al enumerar una serie de situaciones injustas, pero conforme va avanzando,  hay un momento en el que se apela directamente al sentido crítico de quien visiona el vídeo para incitarle a movilizarse a “colonizar la alegría” y “colonizar los afectos”, recuperar prácticas como  la del trueque, hacer un consumo consciente, a unirse y trabajar de manera colectiva, a abandonar el sometimiento y saltarse las normas, de nuevo aparece aquí la idea de la desobediencia civil. 

Superflex es un colectivo danés con más de dos décadas de recorrido en las que ha creado diferentes herramientas al servicio de la ciudadanía, de hecho, cuando uno visita su web en lugar de proyectos, aparece la palabra herramientas (tools). Investigando para un proyecto hace más de diez años descu brí “Supergas”, fue la primera obra que vi de Superflex, una estación de biogas desarrollada con científicos  

para garantizar la autosuficiencia energética en entornos rurales poco accesibles. Este proyecto me enganchó, fue la primera obra/herramienta que descubrí, me impactó porqué superaba lo que hasta ese momento pensaba que el arte podía hacer, era algo real y en el fondo no importaba mucho si era arte o no, la obra  era una solución a un problema real creada por artistas. Mientras muchos se quedaban en la fase de denuncia cuando realizaban sus obras ellos respondían a la pregunta ¿Qué puedo hacer yo para solucionar  este problema? Ese planteamiento, esa actitud me pareció realmente interesante, además se trataba de un  proyecto colaborativo que involucraba a científicos y asociaciones locales trabajando juntos justo antes de  que la palabra transdisciplinariedad se pusiera tan de moda.  

Antes, cuando a propósito de la obra de Tue Greenfort hablaba de consumo consciente, de buscar pro ductos alternativos, pensaba en todos aquellos que al buscar esa alternativa no la encontraron y en vez de  quejarse decidieron crearla. Superflex en 2006 editó Self-organisation / Counter economic strategies, un  libro dedicado a recopilar experiencias de autogestión y estrategias económicas alternativas, este libro a  diferencia del de Negri y Hardt sí está editado bajo licencia Creative Commons. El término “self-organisa tion” viene prestado del campo de las ciencias naturales y hace referencia a sistemas que se organizan internamente creciendo en complejidad sin la ayuda de fuentes externas, de nuevo aparece aquí la idea de  estructuras en red, como en el concepto de multitud. El libro funciona como un recetario de ideas, la intención es que estas ideas se puedan copiar, desarrollar modificar y mejorar, justo al contrario de lo que ocurre  con las patentes. Gran parte de la obra de Superflex está enfocada a hacernos reflexionar sobre la propiedad intelectual y la copia.  

Hospital Equipment, es un proyecto que tiene similitudes con el sistema de trabajo que emplea Nuria Güell,  el arte se convierte en la vía para canalizar recursos camuflados en forma de obra para ayudar allá donde  se necesita. El material de quirófano que compone la instalación fue a parar a un hospital de Siria y a otro  en Gaza. 

Actualmente el concepto de participación al igual que el de sostenibilidad y muchos otros está perdiendo el  sentido por su mala utilización, hay demasiados casos en los que se vende participación y es una falsa participación, una participación dirigida o mediada o poco representativa. Superkilen es un parque urbano diseñado por Superflex y un estudio de arquitectura, el parque está ubicado en uno de los barrios con mayor  diversidad de Copenhague. Superflex ha desarrollado un extenso proceso participativo para convertir este  espacio publico en un parque que reconoce la diversidad y la singularidad de sus vecinos como un valor  positivo. Este proceso participativo además de mejorar la integración de los vecinos consigue transmitir la  idea de que mediante la participación se puede influir en las políticas locales. 

La última de las obras que propongo de Superflex es quizás la que menos tiene que ver con la idea de herramienta, estaría más bien en la línea de otras obras que hemos visto que interpelan al espectador para  incitarle a que emprenda alguna acción. The working life plantea una propuesta radical a través de una terapia de hipnosis, se nos pide una ruptura con un sistema laboral que prima la salud de los mercados y no  la de las personas. “ellos mandan hoy porque tu obedeces” Albert Camus 

Otro ejemplo de práctica artística en la que las barreras entre arte y trabajo social se difuminan es  el que realiza el ya veterano (desde 1993) colectivo austríaco Wochenklausur. Su trabajo podría  definirse como: mediación y resolución de problemas sociales específicos. En este caso la herramienta son ellos mismos y el trabajo que desempeñan. Wochenklausur recurre a la capacidad  del arte para transformar la vida de las personas y es justamente a lo que se han dedicado los  últimos 25 años, el colectivo ha trabajado para mejorar las condiciones de minorías sociales, drogadictos, personas sin hogar, refugiados, desempleados, enfermos, etc. Para Women-led wor ker’s Cooperative consiguieron que un grupo de mujeres que viven en una zona deprimida a con secuencia de los cambios económicos globales, iniciaran un proyecto de autoempleo procurándoles todas las herramientas necesarias para ponerlo en marcha, facilitándoles la ayuda de profesionales a los que consiguieron involucrar en el proyecto y mediando con las instituciones públicas para conseguir las mejores condiciones para que funcionara.  

David Arlandis 

Autogestión, Autosuficiencia, Asociacionismo, Banca ética, Bancos de tiempo, Biopoder,  Consumo consciente, Contrainformación, Cooperativismo, Copyleft, Creative Commons,  Crowfunding, Democracia directa, Desobediencia civil, Desobediencia económica, Desposesión por acumulación, Economía colaborativa, Formación no reglada, Imperio, Insolvencia, Insumisión fiscal, Inteligencia de enjambre, Inversión de reglas/leyes/roles, Mediación,  Multitud, Open Source, Participación, Reapropiación, Reciclaje, Resistencia, Trabajo colaborativo, Trueque 

Fuentes del presente texto y del anexo de obras: 

Arlandis, D. y Marroquí, J. (2014). «7000000000». Disponible en:  http://www.eacc.es/www/wp content/uploads/2014/02/7_000_000_000_CAS.pdf 

Bradley, W et al. (2006). Self-Organisation/Counter-Economic Strategies. Sternberg Press. New  York. 

Breath project (2017). “Breath tempo di ricarica”. [web]. Disponible en http://www.breathpro ject.it/ita/ 

Caycedo, C. (2018). «Carolina Caycedo. Day to day». [web]. Disponible en: http://carolinacayce do.com/day-to-day-2002-2009 

De Gonzalo,M. y Pérez, P. (2018). «Marta de Gonzalo y Publio Pérez». [web]. Disponible en :  http://martaypublio.net/es/inicio/ 

Doncel, L. (2018). “El sueño de Airbnb cae en manos de los profesionales. El país. [artículo en  l í n e a ] . Disponible en: https://elpais.com/economia/2018/01/19/actualidad/ 1516386039_221435.html 

Güell, N. (2018). «Nuria Güell». [web]. Disponible en: http://www.nuriaguell.net/ 

Indiegogo. (2017). “Breath tempo di ricarica”. [web].Disponible en https://www.indiegogo.com/ projects/breath-tempo-di-ricarica-art-environment#/ 

Jeu de Paume. (2013). “Adrian Paci. Vies en transit”. [web]. Disponible en: http://www.jeude paume.org/index.php?page=article&idArt=1771 

Jeu de Paume. (2013). “Adrian Paci. The column at Jeu de paume” [vídeo]. Le magazine/Jeau  de Paume. París. Disponible en: https://vimeo.com/98044998 

Kuluncic, A. (2018). «Andreja Kuluncic». [web]. Disponible en: http://www.andreja.org/ 

Marroquí, J. (2008). “Positive Critical Imagination”. Magazine08, Edinburgh Sculpture Workshop.  [catálogo de exposición]. 

Mateos, J. (2018). “¿Qué es la desobediencia civil? Una mirada jurídica”. [blog]. Disponible en  https://www.elsaltodiario.com/conquista-derecho/que-es-la-desobediencia-civil 

Negri, A. y Hardt, M. (2002).”Imperio”. Paidós. Barcelona. 

Negri, A. y Hardt, M. (2004). “Multitud. Guerra y democracia en la era del imperio”. Random  House Mondadori. Barcelona. 

Radi.MS (2014). Recordando a Aaron Swartz y el “Guerrilla open Access Manifesto”. [blog]. Dis ponible en https://radi.ms/es/aaron-swartz/ 

Ressler, O. (2017). Installations, videos and projects in public space by Oliver Ressler. Globalizig  protest. [web]. http://www.ressler.at/category/projects/ 

Streetagainst, (2017). “OPOR/RESISTENCE/Warsaw, Poland”. [blog]. Disponible en http:// www.streetagainst.com/2017/11/46-opor-resistance-warsaw-poland/ 

Streetagainst, (2017). “Breath project”.[blog].Disponible en http://www.streetagainst.com/ 2017/02/breath-project-open-now/ 

Superflex, (2018). «Tools». [web].Disponible en https://superflex.net/tools 

Habiendo recibido la invitación para impartir un seminario el Día de la Mujer, tomando como base una exposición hipotética sobre el tema de la memoria, decidí pues diseñarlo a partir del trabajo de catorce mujeres y cuatro colectivos, entre los que se cuentan artistas, escritoras, dramaturgas, investigadoras, compositoras, diseñadoras y arquitectas.

La propuesta toma como punto de partida el título “Muy lejos de cualquier otro lugar” de una de las obras de la escritora Úrsula Le Guin, autora de ensayo, poesía y ciencia ficción feminista. Entre su producción, es ésta una novela insólita, sin apenas trazos de fantasía, que cuenta la relación entre dos adultos jóvenes que centran sus vidas en su futuro y para los que el pasado es algo ajeno y fuera de todo interés. El título de Le Guin sirve aquí para situarnos en un plano evocativo de situaciones específicas, cada una singular, única y alejada de todas las demás. Como así lo es cada instante cuando sucede, pero cuya transcendencia se descubre con la distancia que otorgan el tiempo y la experiencia.

El tema de la memoria suele adscribirse a un contexto concreto, esto es, a un lugar y momento específicos, y se emparenta con dos conceptos antagónicos, el recuerdo y el olvido. Asímismo la memoria se relaciona con la representación y con la construcción de imágenes y relatos, entendiéndose a menudo como la proyección de visiones desde perspectivas concretas. Así la memoria trata de la versión de hechos que son transmitidos, silenciados o borrados. Para conocer estas visiones de memoria, el arte es un canal idóneo, pues sirve para investigar rastros, señalar vacíos y silencios, revelar suplantaciones y sugerir otras formas de lectura y de visión. Y así también de pensamiento y acción.

La selección de obras que presenta esta hipótesis expositiva incluye trabajos que aluden a situaciones sociales, políticas y culturales con raíces en contextos de todo el mundo (por ejemplo, de Reino Unido a Corea, pasando por Estados Unidos, España, Palestina, Alemania u Oriente Medio); todas ellas tienen que ver con la impronta de poderes hegemónicos: sobre el paisaje, el espacio público, las libertades individuales y colectivas y la identidad, a través del ejercicio de la política, la economía o la seguridad y el control.

Cruzar la memoria con el arte permite la formulación de algunas preguntas que pueden ser útiles para el objeto de este seminario: ¿Cómo podemos acercarnos a estas situaciones y abordar las problemáticas que implican? ¿Cuáles podrían ser otras formas de lectura, análisis, o simplemente, de vivir? ¿Cómo podríamos emprenderlas? ¿Con que misión y expectativas?

En otro de sus libros, «La mano izquierda de la oscuridad”, dice Úrsula Le Guin: “Apolo, el dios de la luz, de la razón, de la proporción, la armonía, el número. Apolo ciega a los que se empeñan demasiado en la adoración. No mires directamente al sol. Entra en un bar oscuro por un rato y tómate una cerveza con Dionysios, de vez en cuando”. Y añade: “La única verdad que puedo entender o expresar es, lógicamente definida, una mentira. Definida psicológicamente, un símbolo. Definida estéticamente, una metáfora. (…) Hablo de los dioses; Soy atea. Pero yo también soy artista, y por lo tanto mentirosa. Desconfía de todo lo que digo. Estoy diciendo la verdad.”

Los que siguen son las visiones de creadoras que apelan de alguna u otra manera a aquello que se intenta definir como “memoria”, un concepto escurridizo entre la mentira y la verdad, entre el recuerdo y el olvido. Son propuestas que nos invitan a vivir en tránsito frecuente por el umbral del presente, parpadeando entre la luz cegadora y la oscuridad absoluta. Cruzarlo a menudo supone adecuar la mirada y afinar la percepción, para conocer y dudar de lo visto, para experimentarlo distinto, porque a cada nueva perspectiva hay un relato diferente que hay que aprender a leer.

Assemble. Cineroleum. Londres, 2010

Entre los componentes del colectivo británico Assemble (ganador del prestigioso Turner Prize en 2015) se cuentan artistas visuales, artquitectos, cineastas, antropólogos o escritores, y el trabajo colaborativo es su seña de identidad. Así, frecuentemente trabajan en situaciones específicas con los habitantes de un entorno dado, en propuestas participativas que han derivado en la definición de su trabajo como “Arquitectura progresiva”. The Cineroleum fue un proyecto de su propia iniciativa que, contando con la participación de los vecinos, transformó una gasolinera en desuso en Clerkenwell Road (una de las vías más congestionadas de la ciudad), en un cine. En la base del proyecto se encuentra la experimentación sobre qué hacer con las más de 4000 gasolineras vacías de la ciudad que son el rastro de una cultura del coche que ya no es como fue, con la intención de generar kits de auto-construcción sobre distintos prototipos que podrían activarse en distintos barrios. La construcción cuenta con un mecanismo que pliega las paredes, de modo que el cine se torna en una grada de observación en medio de la calle. Sin duda, un lugar privilegiado para reflexionar colectivamente sobre las transformaciones urbanísticas, y por lo tanto políticas y sociales del entorno, en un momento de colapso del modelo económico y del clima, siendo el combustible fósil un poderoso símbolo.

Cecilia Jonsson. The Iron Ring, 2014

El municipio de Minas de Riotinto debe su nombre a las minas que operaron en la explotación de un subsuelo rico en minerales. The Iron Ring se centra en la contaminación del paisaje a causa de esa explotación, la memoria de la cual es visible a simple vista en las aguas del rio, de color rojo intenso. A partir de la identificación de una planta invasora (Imperata Cylindrica), la artista sueca se propuso invertir los procesos de la contaminación y extraer metal de las aguas a través de la acción de la planta, que es hiperacumuladora de hierro. Para ello, contó con la colaboración de expertos en distintas áreas, como la biología, la herrería y la química.

Julia Schulz-Dornburg. Ruinas Modernas, 2013

Ruinas Modernas reúne una serie extensa de fotografías que documentan los nuevos paisajes surgidos tras la burbuja inmobiliaria española, a lo largo y ancho de su territorio. Grandes extensiones de promociones inmobiliarias inacabadas dan lugar a paisajes desolados, fantasmas de la especulación y la corrupción que asoló muchas zonas de España durante los 90. La confrontación de esas imágenes con los nombres de esas promociones da como resultado una aproximación crítica e irónica a esa transformación.

Rachel Whiteread. House, 1993

House es la intervención urbana que realizó la artista británica en una zona de Londres que había sido uno de sus últimos barrios victorianos. Apelando a la memoria del mismo, Whiteread realizó el vaciado en hormigón de la última casa que quedaba en pie, a escala real. Monumento recordatorio de la destrucción de la memoria, la escultura ganó el Turner Prize en 1993, circunstancia que no evitó su demolición ochenta días después de su presentación, ante la controversia que lenvantó.

Susan Philipsz. Part File Score, 2014

Part File Score es una instalación sonora que Susan Philipsz realizó a partir de una de sus investigaciones sobre personas que tuvieron que exiliarse por motivos políticos. En este caso se trata de Hanns Eisler (1898–1962), uno de los artistas que estuvieron en la lista negra del House Un-American Activities Committee que operaba en Estados Unidos después de la II Guerra Mundial. El compositor, de origen austríaco y judío, que abandonó Europa en 1938 huyendo del Nazismo, fue finalmente deportado en 1948 por ser sospechoso de ser informante  del Comunismo, dejando inacabadas algunas de sus composiciones para Hollywood, donde era muy reconocido (incluso con algunos Oscar). La instalación de Philipsz presenta los documentos de seguimiento y vigilancia del FBI a gran escala, fundidos con las partituras de Eisler, mezclándose las anotaciones de control con las de creación. En unos altavoces, la artista presentó el sonido de notas aisladas de violín de distintas composiciones del músico, que al ser reproducidas a la vez, creaban una atmósfera sonora llena de suspense, temor y malos presagios, como la que impregnó esos días de seguimiento y sospecha en la vida de Eisler.

Holly Herndon & Metahaven. Home, 2014

Una vez fueron desveladas las acciones de vigilancia masiva y robo de datos en 2014 por parte de la NSA a millones de usuarios de compañías telefónicas, la compositora y músico americana Holly Herndon y el estudio holandés de diseño Metahaven crearon Home como respuesta. En el videoclip aparece una lluvia de pictogramas que se corresponde con la visualización del material de encriptación de la NSA, que liberaron al mundo junto a la canción, que daba cuenta de lo que había pasado.

Rimini Protokol. 50 Kilometers of Files. A Walk-in Stasi Radio Play, 2011

La compañía alemana de teatro Rimini Protokol trabajó con los archivos liberados de la Stasi, el servicio de inteligencia del Berlín Este durante la Guerra Fría. Elaboraron una serie de cápsulas sonoras con transcripciones de los archivos, en donde se daba detalle de seguimientos y acontecimientos vinculados a distintos enclaves de la ciudad. Los usuarios podían recorrer cada punto del mapa en un itinerario sobre el espacio público en el que revivían esos hechos, en escucha mientras caminaban.

Emily Jacir. Ex-Libris, 2012

El proyecto versa sobre los libros palestinos saqueados por Israel en 1948 y guardados en la Biblioteca Nacional Judía de Jerusalén. Se trata de fotografías ampliadas de los ex-libris de estos libros, los cuales informan de sus propietarios y sus circunstancias, así como de los periplos de los libros por bibliotecas de distintos países, del saqueo y destrucción de la cultura. Esta instalación fue presentada en la Documenta de Kassel de 2012, junto a intervenciones en algunas fachadas y vallas publicitarias con la información escrita de alguno de estos ex-libris, libros perdidos de una cultura, la palestina, desubicada y en cierto modo perdida.

Janet Cardiff. Walk, 2012

Walk consiste en un paseo que los visitantes de la Documenta 13 pudieron realizar en la Alter Bahnhof de Kassel, siguiendo las instruccciones de la artista canadiense a través de un Ipod y sus auriculares. Siguiendo el itinerario por la estación, podía reseguirse la historia de la ciudad en primera persona, en presente e in situ. En particular, la que tenia que ver con la estación, conociendo episodios terribles de la II Guerra Mundial y las comunidades judías de la ciudad bajo el poder de los Nazis, que se superponían a lo que estaba sucediendo en ese instante.

Forensic Architecture. Atimah, Syria, 2015

Forensic Architecture is una agecia de investigación independiente con base en la universidad londinense de Goldsmiths. Se trata de un grupo interdisciplinario de investigadores que incluye arquitectos, académicos, artistas, cineastas, desarrolladores de software, periodistas de investigación, arqueólogos, abogados y científicos. Investigan hechos como ataques, bombardeos o saqueos acaecidos en zonas militarizadas y de los que no se da cuenta oficial. Para ello, se valen de las fotografías e información que comparten en las redes socials las personas próximas a los acotecimientos en cuestión, para reconstruir las situaciones y estudiarl el material científicamente. Los resultados son presentados, además de en exposiciones en museos y centros culturales, en comisiones de la verdad, juicios y en informas de incumplimiento de los Derechos Humanos a través de diferentes instancias.

Jumana Manna, A magical substance flows into me, 2015

Obert Lachmann fue un etnomusicólogo germano-judío. En la década de 1930, su programa de radio «Música Oriental» exploró las tradiciones musicales de Palestina e incluyó actuaciones en vivo regulares de músicos de diferentes grupos étnicos y religiosos. Inspirándose en los estudios de Lachmann, la artista palestina Jumana Manna viaja a través de Israel y los territorios palestinos de hoy con grabaciones del programa. Manna vuelve a visitar las comunidades que estudió, entre ellas judíos kurdos, marroquíes y yemenitas, samaritanos, miembros de comunidades urbanas y rurales palestinas, beduinos y cristianos coptos, repitiendo sus grabaciones y haciendo nuevas grabaciones por su cuenta. Estos intercambios tienen lugar en sus hogares, oficinas, estudios de grabación y lugares de culto, y se intercalan con escenas de su propia casa familiar en Jerusalén Este.

Tejiendo entre un sitio y otro, se presenta el entrelazamiento del patrimonio y las identidades, junto con la imaginación de una Palestina multifacética ¿Cómo suenan estas canciones ahora cuando son interpretadas por judíos marroquíes, kurdos o yemenitas, por samaritanos, miembros de las comunidades palestinas urbanas y rurales, beduinos y cristianos coptos?

Cuando una verdadera fascinación por la historia se encuentra con los sonidos de la rababa, el saz, el oud y las latas, surge una diversidad cultural que subvierte la distinción entre «árabe» y «judío». No hay fronteras nacionales aquí, solo cocinas diferentes donde las personas hacen música juntas: con sus invitados, mientras cocinan, mientras que alguien hace el café. Hasta que la música se vuelve tan contagiosa, dice Manna, que no puedes dejar de bailar.

Regine Bashe + Dra. Ella Habiba Shohat + Michael Rakowitz. Dar Al Sulh, 2013

La comisaria Regine Bashe, hija de un músico iraquí-judío de Bagdad, creció en medio de la escena musical de los árabes iraquíes-judíos, viviendo lo que el académico y crítico de música Josh Kun llama una «audiotopia», donde la identificación, la alegría y la conectividad suavizó las complicadas complicaciones de ser un «judío árabe» en la diáspora. En este proyecto coincidió con Ella Habiba Shohat, doctora en Estudios Culturales y judía árabe Mizrahi descendiente de una familia de Baghdad; es una especialista en post-colonialismo y en los modelos de representación del Oriente Medio, y ha escrito extensamente sobre la identidad árabe-judía. Ambas colaboraron con el artista de origen también judeo-iraquí Michael Rakowitz en el proyecto Dar Al Sulh, o Dominio de la Conciliación. Consistió en un restaurante entendido como Dar Al Sulh, esto es, un territorio donde se ha logrado un acuerdo entre musulmanes y no musulmanes y proporciona libertad de religión, autonomía y protección, como así fue el acuerdo que se aplicó a los judíos en Irak y en otras partes de Oriente Medio.

Dar Al Sulh fue un restaurante que operó del 1 al 7 de mayo de 2013 en Dubai, y fue el primero en el mundo árabe en servir la cocina de los judíos iraquíes desde su éxodo, el cual comenzó en la década de 1940 como resultado de disturbios y represalias. Tras el establecimiento del estado de Israel, hoy en día, se cree que menos de diez miembros de la comunidad, que alguna vez fue 150,000, permanecen en todo el país. La carta del restaurante se compuso de platos del recetario de la abuela del artista, patrimonio gastronómico judío-árabe que fue activado y servido en bandejas y platos recuperados tras ser abandonados en la diáspora. El restaurante actuaría como una máquina del tiempo para trasladarse a aquellos tiempos en los que los judíos no habían abandonado su alma árabe y su cultura no había sido borrada por el sionismo político.

Shilpa Gupta. Untitled, 2014

La artista de Mumbai Shilpa Gupta reune en esta instalación una gran variedad de tretratos de personas que por razones políticas, sociales o personales han tenido que cambiar sus apellidos, y así su identidad. Cada retrato está formado por varias imágenes fragmentadas y desplazadas que definen la vida y personalidad de cada persona. En alguno de los fragmentos se puede leer la declaración de la persona retratada, de su puño y letra, explicando los motivos por los cuales han tenido en algún momento que cambiar sus apellidos.

Han Kang. Actos Humanos, 2016

Actos Humanos es una novela de la escritora surcoreana Han Kang. En ella la autora narra lo acontecido en los días anteriores y posteriores al 18 de Mayo de 1980 en Gwangju, donde se produjo una de las más cruentas masacres en su país, cuando los estudiantes se manifestaron para reclamar democracia y miles de jóvenes fueron brutalmente asesinados. Uno de los escenarios de la novela es el antiguo hospital militar, donde fueron retenidos muchos manifestantes para ser “corregidos”, sufriendo torturas y siendo asesinados en muchos casos.

Apichatpong Weerasethakul. Constellations, 2018

Constallations es una instalación site-specific que hizo Weerasethakul en el antiguo hospital militar de Gwangju donde fueron recluídos muchos de los manifestantes asesinados durante la masacre de 1980 en la ciudad, cuando pedían democracia. Enmarcada en la Bienal de Gwangju, la instalación se visitaba al atardecer, cuando en grupos de quince personas se podía penetrar en el recinto y deambular por sus estancias. En ellas se podía apreciar un trabajo muy delicado con la luz natural, así como distintas intervenciones con objetos animados y con sonido en puntos específicos, integrando al grupo en una auténtico trabajo fílmico del cual eran los protagonistas, como fantasmas que revivían un espacio de terror.

Neri Oxman. Vespers, 2016

En Vespers, la artista e investigadora Neri Oxman presenta tres series de máscaras que ha desarrollado con su grupo de investigación Mediated Matter Group en el MIT. Se trata de máscaras mortuorias impresas en 3D con diseños que cultivan nueva vida después de la muerte. Así, en algunas de ellas la artista propone conservar el último hálito de la persona fallecida, en donde podrán vivir micro-organismos que darán forma a la máscara, a modo de urnas biológicas. Así, las urnas están habitadas por microorganismos vivos que han sido diseñados sintéticamente por Oxman y su equipo para producir pigmentos y substancias químicas útiles para la “amplificación humana”, como vitaminas, anticuerpos o sustancias antimicrobiales.

ENLACES E IMÁGENES:

Assemble. Cineroleum. Londres, 2010

Cecilia Jonsson. The Iron Ring, 2014

Julia Schulz-Dornburg. Ruinas Modernas, 2013

Rachel Whiteread. House, 1993

Susan Philipsz. Part File Score, 2014

Holly Herndon & Metahaven. Home, 2014

Rimini Protokol. 50 Kilometers of Files. A Walk-in Stasi Radio Play, 2011

Emily Jacir. Ex-Libris, 2012

Janet Cardiff. Walk, 2012

Forensic Architecture. Atimah, Syria, 2015

Jumana Manna, A magical substance flows into me, 2015

Regine Bashe + Dra. Ella Habiba Shohat + Michael Rakowitz. Dar Al Sulh, 2013

Shilpa Gupta. Untitled, 2014

Han Kang. Actos Humanos, 2016

Apichatpong Weerasethakul. Constellations, 2018

Neri Oxman. Vespers, 2016

PLANTEAMIENTO CONCEPTUAL DE LA EXPOSICIÓN

Con la luna en el ombligo es una propuesta que parte de la la cultura contemporánea para visibilizar una selección de temas que surgen a partir de la búsqueda de la propia identidad. Mediante obras de artistas visuales y de activistas que usan formatos como son la fotografía, el vídeo, programas radiofónicos y perfiles en redes sociales; el proyecto ofrece un relato que pivota sobre dos cuestiones fundamentales que circundan la identidad: el género y la cultura.

Interpretado como una búsqueda personal, presente en casi todas las etapas de nuestra vida (especialmente durante la adolescencia), se establece como factores determinantes del relato sentimientos que suelen asociarse al fracaso e incluso la feminidad: la inseguridad, el cambio de opinión y la constante necesidad de autodefinirse con nuevas categorías. Un punto de inicio que tiene como propósito dar cabida a múltiples respuestas personales y sociales.

Para ello se extiende la mirada huyendo de posibles filtros tiznados de matices eurocentristas o falocentristas y se deja espacio a otras culturas y modos de hacer en los que también se ponen en valor el movimiento de desplazamiento entre los múltiples sexos y géneros autodefinidos como identidades fluidas. Son por tanto protagonistas tanto cuerpos disidentes, géneros fluidos y seducciones bajo sospecha; como cuerpos cosificados, miradas estereotipadas y gestos cliché.

El título, Con la luna en el ombligo, toma su nombre del espacio radiofónico hecho por lesbianas para lesbianas en el año 1996 en Chile. Fue una de las iniciativas del colectivo Ayuquelén (Alegría de vivir en lengua mapuche), un ejemplo de utilización táctica del género como espacio de resistencia e insubordinación. Una cita del otro “lado del charco” que sirve como inicio de este relato en el que impera una dualidad constante, saber quiénes somos y decidir cómo queremos mostrarnos hacia los demás.

El programa, con cierto carácter amateur, es toda una declaración de intenciones en cuanto la autorrepresentación como mujeres lesbianas en el Chile del momento. Como si de una conversación entre amigas se tratara, exponen abiertamente sus deseos y temores sobre cómo y para quién mostrarse.

¿Cómo se representa una mujer? ¿Qué elementos, gestos o rasgos nos definen como mujer? ¿Qué tiene que ver con todo esto la orientación sexual?

La filósofa Judith Butler, inicia uno de los escritos clave para entender la identidad de género en la actualidad con una serie de citas que funcionan como input de su teoría queer. La primera de ellas es de Simone de Beauvoir, la célebre frase “No se nace mujer: llega una a serlo” y le sigue la de Julia Kristeva “Estrictamente hablando, no puede decirse que existan las “mujeres””. Se suman otras tres provocaciones más al pensamiento que crean el preámbulo de la lectura:

Esta construcción cultural del género ha sido especialmente tratada desde el pasado siglo en las artes visuales haciendo uso de otros formatos que sitúan en ocasiones al/la artista en un campo cercano al del activismo, y viceversa. En sincronía con los modos de trabajar de artistas que seguían abordando discursos hegemónicos, el cuerpo se convierte en herramienta política y se estudia con detenimiento cada gesto o expresión asumido desde el heterocentrismo para cuestionarlo y resaltar el cariz de estereotipo que pueda conllevar. Será por tanto relevante pensar la identidad de género para dar paso con libertad a la orientación y las prácticas sexuales.

Claude Cahun (Francia 1894-1954) es una artista que estudia la cuestión de la identidad de forma temprana. Mediante la fotografía aporta una lectura de la identidad de género que va más allá del binarismo (mujer/hombre) a partir de autorretratos. La ropa, el gesto y la mirada serán clave en la construcción de esta nueva identidad que sirve para desvanecer la máscara social con la que convive en la vida real.

La mujer disfrazada, travestida o sincerada tras la apariencia de un hombre encarna (quizás inevitablemente) los detalles que asignamos al campo de lo masculino. Pues quizás, si no fuera por ello, no encontraría un lugar de confort en el campo de la representación versus identidad.

Brassaï (Hungría, 1899-1984) lo retrata nuevamente en la París de los años treinta a través del elegante club de lesbianas “Le monocle”. Violete Morris, conocida como “Claude la Gorda», introdujo a Brassaï en estas otras noches parisinas previas a la ocupación alemana. Una libertad que tal y como Stefan Zweig, en su novela “El mundo de ayer”, describe el período de entreguerras como un momento en el que la libertad imperaba, en el que la liberación social del corsé o el moverse la mujer en bicicleta dio cabida a otras identidades nocturnas y diurnas de plena actualidad.

Bisexuales, homosexuales, lesbianas, gais, maricas, maricones, bolleras y femmes son sólo algunos de los términos que definieron en una época lo que hoy llamamos diversidad de género y sexual,  y englobamos como HSH o MSM. Toda una exploración que se inicia en el terreno personal y que se expande hasta el social que ha ido abriendo un camino a otras identidades que han usado la moda (o la contracultura) para hacerse visibles así como han creado al mismo tiempo moda por sí mismas.

La fotografía es uno de los soportes que mejor relatan todo ello. Por un lado tiene el poder de transmitir estar mostrando algo real, que pasó en ese momento en el que se hizo el “click”; y la escena, el posado y la indumentaria aparecen como algo casual velando el trabajo de construcción y atrevimiento que esta conlleva. Alice Austen (Nueva York, 1866-9 – 1952) será otro ejemplo más de fotógrafa atrevida, quizás liberada, cuanto menos sujeta a especulaciones que desean dar cabida a otras identidades.

Las tres mujeres disfrazadas (travestidas o vestidas) de hombre reproducen gestos que asociamos a lo masculino y desafían al otro con una dulce mirada. Junto con la mujer que levanta la bicicleta son dos ejemplos de asignación social de un sexo binario.

Julia Martin, Julia Bredt and self dressed up as men, 1981
Alice Austen

Carrying the Bicycle, 1986
Alice Austen

Esta búsqueda de la identidad de género convierte, paradójicamente, el estereotipo en un lugar de confort. Como si sólo los extremos hombre-mujer fueran posibles, el desplazamiento se hace pendulante sin dar cabida a otras masculinidades u otras feminidades, eso “otro” que la teoría Queer defiende cuando habla de identidades fluidas o de anulación de las categorías identitarias. El estereotipo no deja de ser una construcción social ciertamente peligrosa, pues ni caben todos los cuerpos, ni se corresponde en mayoría de ocasiones con una expresión sincera del género; y recibe sobremanera influencia a favor de la tradición.
El espejo, el retrato, autorretrato (y ahora el selfie) se convierten en herramientas con las cuales proyectarse y afrontar la mirada del otro en correspondencia a esos ideales confeccionados. Así, la mujer que levanta la bicicleta denota por un lado fuerza en su gesto, mas por otro muestra un posicionamiento social y político. Ella va en bicicleta pese a ser un momento en el que no está bien visto para la mujer (pues le daba independencia) y lleva pantalones aumentando este inconformismo en favor de su comodidad/identidad.

Por otro lado, cuando el refuerzo de la identidad se da de la mujer hacia la feminidad la cosificación será el gran riesgo. Cindy Sherman (EEUU, 1954) y Rineke Dijkstra (Países Bajos, 1959) son dos mujeres artistas que han tratado dicho tema mediante la fotografía desde dos perspectivas diferentes

La primera de ella trabaja con múltiples referencias del cine, otro de los aparatos de construcción del género. En sus imágenes, la mujer se convierte casi en una muñeca con tonos de piel artificiales y posturas forzadas que si bien es una estética que proviene del cine, también es una expresión asumida por la publicidad, por la reciente tendencia de las fotos Tumblr (cuya construcción de la expresión busca parecer despreocupada y natural) y llevado aún más al extremo, del baile del Voguing que en cambio lo bailan hombres y mujeres, una tendencia que parte de los movimientos de manos y gestos que caracteriza la revista Vogue.

Rineke Dijkstra, sin embargo, deja ver ese sentimiento de inseguridad en la proyección de la identidad hacia el otro. Sus fotografías, que en muchas ocasiones muestran también el paso del tiempo de una misma persona, tienen la capacidad de recordar al público esa vulnerabilidad y necesidad de aceptación social que cada uno vive en un período más corto o más extenso de su vida. Sus imágenes revelan lo sensible de esos otros postureos exitosos en redes sociales y recuerdan ese período inicial de la adolescencia que, cada vez más, parece reducirse en el tiempo y ocultarse socialmente.

Otra de las famosas series de Dijkstra nos muestra el hombre y lo masculino mediante retratos de una misma persona con diferentes uniformes militares y ropa de entrenamiento. También en período de juventud, los retratos dejan entrever en su rostro y mirada la vulnerabilidad que conlleva ser humano, libre de clichés y del control sobre el retrato, pues es la fotógrafa quien consigue sacar la naturalidad de Oliver.

El uniforme, lo militar, la fuerza y el cuerpo musculoso han sido paradigma de aquello que entendemos como masculinidad. Una construcción cultural afianzada que se ha llevado al extremo del contexto de lo real asumiendo una gran presencia de prejuicios, negaciones y castigos por la orientación sexual de sus miembros así como agresiones sexuales permitidas por su código interno militar.

Adi Nes (Israel, 1966) usa también como recurso el ejército mostrando una escena relativamente cotidiana de un grupo de hombres del ejército israelí. En la escena, cuatro hombres que orinan simultáneamente, su gesto, cuerpo y acción, resumen nuestro imaginario estereotipado de lo aprehendido como masculino.

Cuando Jack Halberstam, investigadora sobre Mujer, Género y Sexualidad en la Universidad de Columbia, otra teórica clave para el tema que nos atañe, señala la complejidad de definir, la masculinidad, apunta como “socialmente tenemos pocos problemas en reconocerla, y de hecho invertimos mucho tiempo y dinero ratificando y consolidando las versiones de la masculinidad que nos gustan y en las que creemos. Muchas de estas «masculinidades heroicas» se basan fundamentalmente en la marginación de las masculinidades alternativas”. Así el terreno de las masculinidades alternativas (como el de las feminidades) han ido sufriendo a lo largo de la historia discriminaciones, puniciones (legales o no) y marginaciones costando largo tiempo recibir un reconocimiento en cuanto identidad y expresión. Asimismo se han ido convirtiendo en referentes para posteriores generaciones las cuales ,no sólo han encontrado un camino hecho, sino que han visto cómo la moda los ha englutido y convertido en tendencia.

Pedro Lemebel (Chile, 1952-2015) fue un escritor, artista y activista chileno que trató muy directamente el tema a través de diferentes formatos. Uno de ellos fue su programa “Cancionero” en Radio Tierra entre el año 1994 y 2002. “El macho chileno” fue una de estas cápsulas en la que describió irónicamente al macho a través de los estereotipos masculinos.

En su texto trata la hombría, la idea de mujer como madre, amante y esposa  únicamente de quien no importa ni sus deseos ni sentimientos. Muestra al macho más estereotipado: un ser que no llora ni expresa sentimientos, que no suele tener la culpa de lo que pasa a su alrededor y que piensa sobre todo en el fútbol y otros deportes.

La descripción responde a la de algunas de las máscaras de identidad de género, que más allá de ser innatas, son construidas en un proceso lento y laborioso de producción de subjetividad en el cual, como seres sociales participamos inevitablemente. Cambiar la máscara o quitártela supone un acto valiente aún en la actualidad. Pasar de un género a otro, como pasar de un sexo a otro, requiere un minucioso trabajo de transformación en el que cada detalle importa. El fotógrafo Humberto Rivas (Argentina, 1937-2009), también interesado por la parte sincera de nuestra identidad optó también por el retrato de personas a las que encontraba algo interesante ante el objetivo de la cámara fotográfica. Violeta la Burra fue una de ellas.

Fue un personaje de origen andaluz de la Barcelona del cambio de década de los setenta a los ochenta. Especializada en espectáculos nocturnos en los que cantaba y bailaba, era travesti y folklórica; dejaba de ser Pedro para ser Violeta. Humberto Rivas muestra la parte más sincera de la transformación retratando el proceso y dando lugar a cuatro identidades diferenciadas. Además, le retrata con su madre en una escena en la que cada elemento conlleva una fuerte carga cultural.

Por otro lado, la obra de Ocaña (Cantillana (Sevilla), 1943 – 1987), artista de la contracultura catalana de la misma época, usa su propio cuerpo para ironizar sobre identidades, de nuevo de género y culturales. Ocaña fue especialmente conocido por sus acciones en Las Ramblas vestido de mujer. Sus paseos eran acciones y performances que visibilizaban otras realidades que permanecían en la oscuridad de la noche perseguidas por la ley.

Álex también cambia de identidad, esta vez ayudado por fármacos e intervenciones quirúrgicas y acompañado de un público que le sigue en el canal de Youtube creado para contar su transición. “Soy Álex” es el título del cortometraje documental, coproducido en España y México en el año 2017, que relata la vida de este joven youtuber de Barcelona que cuenta con más de treinta mil suscriptores. A través de las redes sociales comparte su experiencia con el objetivo de ayudar a otros chicos y chicas trans como él. Este fenómeno, el usar un canal o red social como lugar desde el cual reivindicar una propia identidad de género, se está convirtiendo en la actualidad en un recurso relevante. En este momento, pese a estar viviendo uno de los momentos de mayor visibilización y regulación de identidad trans, el desconocimiento y la confusión entre términos resulta ser aún mayor. El cambio de género, con el cambio de sexo o la orientación sexual son englobados en una misma realidad que resulta ser irreal y reductiva.

Por otro lado, contar con un imaginario de realidades/identidades da lugar a una evolución de las necesidades y a la identificación de nuevas situaciones que requieren activar el pensamiento crítico, pues sigue siendo mayoritario el movimiento oscilatorio entre géneros que requiere una identificación entre opuestos (esto es masculino porque no es femenino y viceversa), en lugar de prescindir de calificativos referenciales.

Marcas de moda como Palomo Spain han hecho eco de estas nuevas necesidades identitarias y han generado líneas de moda en las que se mezclan prendas asociadas tradicionalmente a un género. Igualmente ofrecen diseños adaptados a prácticas sexuales al margen del heteropatriarcado y campañas publicitarias dirigidas a estos colectivos. Una propuesta atrevida que no hubiera podido tener lugar sin el trabajo y la valentía de tantas personas en el pasado, y aquí hemos mostrado algunas de ellas.

La alta costura lo pone a disposición (para quien pueda económicamente) y desvela la forma circular del proceso de evolución en nuestra materia. Mientras Con la luna en el ombligo buscaba mediante su programa radiofónico, y ahora con el presente texto, convertir la identidad de género en una materia elástica y discursiva; los modelos de estas nuevas categorías identitarias vuelven a reproducir los estereotipos impuestos desde antaño a la mujer. De nuevo la carne vuelve asemejar al plástico y la mirada pertenece más a la de un muñeco o a un juguete, que a la de un ser humano; la cultura y sus cánones de belleza continúan dominando. Encontramos gran cantidad de tutoriales en Internet para esconder aquello que denota inseguridad en la identidad y conseguir ser una “chica o un chico tumblr” delante del objetivo de la cámara, pero cuando se apague el smartphone, parte de esa identidad habrá desaparecido y el espejo no será un aliado de nuestros miedos e incertidumbres.

Las metodologías utilizadas en el taller Actitudes Singulares. Resistencias contra un mundo globalizado se plantearon a partir de ciertas ideas clave que atraviesan las obras del proyecto expositivo propuesto por David Arlandis, teniendo en cuenta aquellos aspectos que ponen en cuestión algunas de las nociones vinculadas tradicionalmente con la producción artística.

Por un lado, una cuestión central de las prácticas artísticas propuestas es que desbordan el espacio expositivo y rompen las fronteras entre arte y realidad para incidir de forma significativa en este terreno. Al tiempo, ideas canónicas como las de la autoría quedan desdibujadas, ya que en la mayoría de los casos se trabaja a través de prácticas colaborativas y del intercambio con comunidades diversas.

Por otro lado, el hecho de que las obras buscaran dar respuesta a problemáticas concretas, y que la propia temática del taller orbitara en torno al mundo globalizado y las resistencias singulares lanzadas desde posiciones definidas, señalaba como otro de los aspectos centrales la cuestión del espacio, es decir, la necesidad de tomar conciencia de la propia situación en un contexto determinado y de trazar las coordenadas que nos unen y separan de otros lugares y situaciones.

Todas estas cuestiones, el trabajo con el espacio, los conocimientos situados así como las estrategias de las prácticas colaborativas, están en la base de trabajo de nuestro colectivo desde el inicio, ya que La Liminal, surgió como un proyecto de mediación cultural que buscaba salir del espacio museístico para trasladar al contexto urbano y la vida cotidiana debates y estrategias de análisis desarrolladas desde las prácticas artísticas contemporáneas. Por este motivo hacer este cruce nos resultó un proceso muy claro y directo ya que suponía la puesta en marcha de metodologías utilizadas en nuestra práctica habitual.

Partiendo de todas estas ideas, nuestro objetivo principal a la hora de plantear el taller fue que estas formas de trabajo pudieran transmitirse no de forma teórica, sino a través de distintas prácticas desarrolladas a partir del trabajo en torno a la propuesta expositiva.

Por ello, en un primer momento, el acercamiento a las obras se canalizó a través del uso de metodologías de trabajo colectivo, utilizando como primera aproximación dinámicas de trabajo en grupos de dos personas que buscaban, a través de la reflexión en torno a un grupo reducido de obras, enriquecer las lecturas de la exposición con las aportaciones generadas en colectivo.

Para el análisis de las obras se utilizó la estrategia de las preguntas activadoras, con el objetivo de facilitar el debate, activar la observación y comenzar a aterrizar las obras en el contexto por el que se movía cada unx de lxs participantes, lo que perseguía extraer contenidos de utilidad para el planteamiento de una futura actividad educativa en el aula.

Esta fase de trabajo estaba directamente conectada con el trabajo de recogida del conocimiento desarrollado de forma colectiva, lo que introducía el uso de metodologías de registro y construcción de conocimiento colectivo. Para esta sesión tomamos el recurso del mapa mental, y para facilitar el volcado de información en el mismo, en el trabajo en grupos se conectaron las preguntas con un código de color, de tal forma que las respuestas a cada una de las preguntas se recogió en post-its de distintos colores. Más adelante, la organización de esta información en el mapa tomó el código de color como leyenda y pauta de distribución de los contenidos.

Con la puesta en común se fue realizando el registro del mapa mental, un elemento que tomamos como recurso para construir un relato visual en el que se recogieran formas de relacionarnos con los contenidos e ideas extraídos del debate colectivo, así como para conectar obras y extraer ideas principales desde las que seguir trabajando en la sesión posterior. La información recogida en esta puesta en común fue también volcada a las fichas de las obras preparadas por David Arlandis, con el objetivo de generar un repositorio de materiales que sirviera como referencia de cara al desarrollo de las propuestas educativas.

Tras esta primera fase de trabajo colectivo y recogida de ideas, la siguiente sesión del taller se dirigió a la puesta en práctica de metodologías de trabajo con el contexto local / global, lo que supone el planteamiento de un trabajo de campo que nos iba a permitir adentrarnos en la dimensión espacial, tan importante para aterrizar reflexiones, ideas y prácticas en contextos y problemáticas concretas.

Para el desarrollo de este trabajo se utilizó el recorrido urbano por grupos y el formato de la deriva como propuesta de movimiento espacial. La deriva es un paseo sin un rumbo marcado de antemano que se orienta a través de las decisiones que el grupo va tomando en cada momento. La práctica tenía un especial interés en este taller porque se tocaba con sus contenidos desde dos vertientes. Por un lado, dentro de las prácticas artísticas contemporáneas la deriva ha sido una de las estrategias clave tomadas por diversos grupos artísticos (como el grupo dadaísta, los surrealistas o el grupo situacionista) para plantear un trabajo artístico que rompe las lógicas de producción de objetos de arte e inserta la producción estética en la inmaterialidad de la experiencia del caminar al tiempo que la despliega en el terreno de lo real. Por otro lado, al tiempo la deriva ha sido utilizada de forma cada vez más intensa como recurso de exploración y mapeo colectivo por parte de distintas iniciativas ciudadanas que buscan activar procesos de acción colaborativa vinculados con el territorio.

La organización de los grupos estuvo determinada por tres ejes temáticos extraídos en la sesión anterior como ideas clave: globalización, resistencias e identidad. Esta propuesta temática dirigía también la orientación y observación espacial de cada grupo, que tenían como objetivo realizar un recorrido durante un tiempo fijado a la búsqueda de diferentes elementos urbanos que pudieran ser enlazados con la temática asignada.

Al igual que en la sesión anterior, esta fase de trabajo en grupo fue conectada con otra metodología de registro y construcción de conocimiento colectivo, en esta ocasión, una herramienta de mapeo colaborativo con recursos digitales desarrollada a través del uso de móviles y la plataforma de mymaps de google. Desde mymaps se generó un mapa para el taller, en el que lxs participantes fueron incluyendo las ubicaciones y fotografías de cada punto escogido. Este trabajo con el mapa facilitó la posterior puesta en común con el resto de grupos, y al tiempo permitió un tipo registro que ser consultado a posteriori por cualquier persona interesada.

Durante la puesta en común de lo recogido en las derivas también se puso en práctica el registro desde el papelógrafo y el relatograma, recogiendo de forma más narrativa las ideas expuestas, una información que posteriormente fue volcada en el mapa digital para facilitar su consulta.

La propuesta educativa se completó con una selección de recursos didácticos relacionados con este tipo de prácticas participativas. Estos recursos fueron escogidos por ofrecer toda una serie de herramientas de carácter práctico que podían facilitar puesta en marcha de proyectos educativos en el aula.

BIBLIOGRAFÍA

Medina, J. A. y Cembranos, F. (2003). Grupos inteligentes. Teoría y práctica del trabajo en equipo. Madrid, España: Editorial Popular

Careri, F. (2002). Walkscapes: El andar como práctica estética. Barcelona, España: Editorial Gustavo Gili

Iconoclasistas. (2014). Manual de mapeo colectivo. Recursos cartográficos críticos para procesos territoriales de creación colaborativa. Buenos Aires, Argentina: Editorial Tinta Limón

A.A.V.V. (2017). No sabíamos lo que hacíamos. Lecturas sobre una educación situada. Madrid, España: Editorial de la Comunidad Autónoma de Madrid. Servicio de Documentación y publicaciones

Transductores. (2012). Pedagogías en red y prácticas instituyentes. Granada, España: Editorial Diputación Provincial de Granada

Transductores. (2009). Pedagogías colectivas y políticas espaciales. Granada, España: Editorial Diputación Provincial de Granada

En nuestra interacción cotidiana con los dispositivos digitales y los servicios de Internet, asumimos que tanto los aparatos como las plataformas de contenidos están a nuestro servicio y que obtenemos de la red lo que queremos, incluso sin dar nada a cambio. Pero en realidad estamos facilitando datos constantemente y alimentando un sistema diseñado para ayudarnos a compartir cada vez más, a registrar, cuantificar y difundir todo lo que hacemos, donde nos encontramos y hasta qué pensamos. Nuestra intimidad está cada vez más expuesta, hasta el punto que se confunde lo privado y lo público, lo ajeno y el propio. Pero esto no se produce por imposición de un gobierno totalitario, como imaginó George Orwell en 1984. No se trata simplemente del control ejercido por un Gran Hermano, sino del deseo de cada individuo de mostrarse ante los demás en una sociedad que celebra el individualismo y en una industria tecnológica que facilita los medios para hacerlo y se financia con nuestros datos.

Con todo, la clave está en preguntarnos: ¿Por qué necesitamos hacernos visibles en las redes sociales? Como construimos nuestro ego a base de likes? Las tecnologías digitales han creado situaciones para las que aún no se han asentado unas normas sociales, y las consecuencias de las que nos cuesta prever. Las obras de varios artistas que trabajan con nuevos medios ofrecen un marco de reflexión y experimentación en el que se revelan las maneras en que está cambiando nuestra intimidad y cómo se forma la identidad personal en la sociedad de la información. Examinando varios proyectos artísticos y las aportaciones de teóricos e investigadores, plantearemos algunos temas con los que trabajar en torno al concepto de privacidad en la era digital y de la formación del yo en un espacio incierto que, como una banda de Möbius, no distingue entre interior y exterior.

Siempre conectados

Antes, cuando nos conectábamos con un módem a Internet, iniciábamos una «sesión» en ocupar la línea telefónica con la conexión de datos y esperábamos que el módem se conectara haciendo unos ruidos particulares que no podíamos descifrar pero aprendimos a reconocer.

La diferencia entre «online» (conectado) y «offline» (desconectado) era muy clara, y además asumíamos que nuestra conexión era unidireccional, como cuando miramos la tele: sólo recibimos información. Sin embargo, el intercambio de datos en Internet siempre es bidireccional, enviamos datos y recibimos constantemente. Como afirma Clay Shirky en esta cita, aunque pensamos en la comunicación en términos de medios tradicionales, como la comunicación es «de todos a todos.»

A esta comunicación de todo el mundo a todo el mundo hay que añadir el hecho de que ahora estamos siempre conectados / as: ya no hay la opción «offline,» dado que nuestros dispositivos se conectan constantemente a Internet sin ni siquiera pedirnos esto. Nuestra presencia en la Red, particularmente dentro de las redes sociales, es permanente y siempre visible para los demás, así que aunque no estamos conectados, siempre estamos allí, siempre estamos disponibles.

¿Quien controla mis datos? 

También debemos tener en cuenta que los mensajes, enlaces, fotos y vídeos que compartimos con amigos y familiares no pasan directamente de una persona a otra, sino que son enviados a los servidores de una empresa extranjera que los gestiona y conserva durante todo el tiempo que quiera. Las grandes empresas forman parte así de nuestra intimidad y tienen la capacidad de saber más de nosotros que nosotros de ellas. Jaron Lanier llama a estas empresas como «servidores sirena» (debido a que nos atraen y nos hacen darles nuestros datos) y denuncia una superioridad de información: siempre estamos dando datos, tanto si queremos como si no.

Capitalismo de vigilancia

Grandes empresas como Google y Facebook han establecido su modelo de negocio en el uso de nuestros datos, y para obtener la «materia prima» nos facilitan numerosas herramientas gratuitas y servicios que empleamos a diario. Shoshana Zuboff describe este modelo de negocio como «capitalismo de vigilancia.»

Según algunos autores, el hecho de que los datos personales se hayan convertido en un negocio hace que la privacidad se convierta en el futuro en un privilegio: tendremos que pagar para evitar que las empresas utilicen nuestros datos, contratando «extras» para cosas que antes eran gratuitas, como sucede con las compañías aéreas de bajo coste.

Vigilància i exhibicionisme

Un ingenio tecnológico hoy en día cotidiano y humilde como es la webcam nos sirve para reflexionar sobre la relación entre tecnología e intimidad. La primera cámara web que se instaló servía a los informáticos del laboratorio de computación de la Universidad de Cambridge para vigilar una cafetera. Sólo cinco años después, el estudiante Jennifer Ringley instaló una webcam en su dormitorio para mostrar su intimidad en la Red. La web JenniCam tuvo mucho éxito durante 7 años y facilitó a Ringley un modelo de remuneración económica basado en la exhibición de su intimidad.

En 1999, el emprendedor Josh Harris reunió 150 personas en un sótano de Nueva York y les ofreció vivir allí sin ningún tipo de intimidad, mientras eran grabados las 24 horas del día con cámaras. El proyecto se llamó QUIETO: We Live in Public. El experimento duró poco, pero supuso un antecedente de lo que serían las redes sociales, donde participamos en un espacio colectivo mientras damos nuestros datos a una empresa. El mismo Josh Harris ya lo decía:

El concepto de vigilancia nos lleva a pensar en el Panóptico, el modelo de prisión ideado por Jeremy Bentham 1791 que buscaba el máximo control con un mínimo de gestión: los vigilantes podían ver fácilmente todos los presos, pero estos últimos no sabían en qué momento los estaban vigilando.

Varias empresas están aplicando una forma de vigilancia similar a sus trabajadores, con sistemas que controlan todos sus movimientos. El beneficio es doble: si el trabajador sabe que es vigilado, se comportará como se espera de él. Si no recuerda que es vigilado, la empresa obtiene una información real de su comportamiento.

En las redes sociales, la vigilancia ya no se limita al que controla el servidor y los datos, sino que se produce también entre los propios usuarios: todo el mundo se vigila, todo el mundo observa lo que hacen los demás. En entornos como Facebook, esto se traduce en un mercado de atención en el que intercambiamos likes y coleccionamos seguidores.

Como hemos comentado antes, todo esto se convierte en negocio, y son cada vez más las personas que, como Jennifer Ringley, están dispuestas a ganar dinero vendiendo su intimidad y la imagen de sí mismos que han creado. El abanico es amplio, desde YouTubers y celebrities a trabajadores sexuales, la Red ofrece innumerables formas de exhibicionismo.

Al mismo tiempo, la difusión de datos sobre nuestra vida, acciones, localización y preferencias facilita un control aún más preciso y la cuantificación de las personas, que gradualmente se ven reducidas a un número que determina su posición social y sus opciones de obtener un trabajo, estudiar, o mejorar su calidad de vida, como está sucediendo en China con el llamado Zhima Credit.

Ego y extimidad

Ante la pérdida de privacidad en la era digital, también hay que preguntarse: ¿por qué necesitamos publicar nuestra vida en la Red? Sigmund Freud nos ofrece una respuesta al afirmar que en la construcción de nuestro yo siempre está presente «el otro,» el modelo a seguir, el adversario, y en definitiva el conjunto de personas que nos rodean y la misma sociedad a la que pertenecemos. Se crea la propia identidad en relación a la sociedad y al grupo de personas con las que uno se identifica. Este proceso es continuo, y como señala Zigmunt Bauman permite ir cambiando la propia identidad a partir de las experiencias vividas e ir «reescribiendo» a un mismo constantemente.

Jacques Lacan explica esta relación con el «otro» empleando el término extimidad, que para él significa reconocer que en la parte más íntima de cada persona hay algo externo, la influencia de aquel otro que son los modelos a seguir, las personas , comunidades y valores con las que se quiere identificarse.

Serge Tisseron también emplea el término extimidad pero para describir la tendencia a mostrar la propia intimidad, inspirado por el programa de televisión «Loft Story» (el «Gran Hermano» de la televisión francesa).

Los reality shows como Gran Hermano, que se popularizan a partir de 1999 (el mismo año que Josh Harris crea su comunidad sin intimidad al proyecto QUIET: We Live In Public), son un ejemplo de lo que Clay Shirky llama la comunicación «de un-a-muchos «, según la estructura tradicional de los medios de comunicación. En este caso, se trata de una intimidad «de una-muchos». Actualmente, también la intimidad ha seguido el modelo propuesto por Shirky en convertirse en una intimidad «de-muchos-a-muchos», es decir, ahora todo el mundo comparte su intimidad. Las fotos creadas en Instagram son un buen ejemplo: se trata, además, de una intimidad ficticia, en la que la persona crea una versión mejorada de su vida, como vemos en los proyectos de Amalia Ulman o Carolyn Stritch.

Estraños familiares

En 1972, el sociólogo Stanley Milgram investigar con sus alumnos las relaciones entre las personas en las ciudades. Observó que, por ejemplo, a una parada de metro se reúne diariamente la misma gente pero estas personas no se relacionan entre ellas. Describió este fenómeno con el término «extraños familiares», que define así:

Hoy en día los extraños familiares son los perfiles que encuentran en las redes sociales, como Facebook. Construimos nuestro ego a partir de las muestras de aprobación de estas personas, muchas de las cuales ni siquiera conocemos. Esto genera constantes comparaciones con los otros, y en el caso de los adolescentes puede llevar a efectos muy negativos en la autoestima.

Màquinas siniestras

Cabe señalar que la invasión de la intimidad mediante las herramientas digitales se produce habitualmente en el hogar. El espacio doméstico, que ha sido donde tradicionalmente se preserva la intimidad, tiene ahora un «otro» en su interior. Como hemos comentado, mediante la webcam el espacio íntimo del dormitorio de una joven puede convertirse en un escenario abierto al público. Ahora, las grandes empresas ven en el hogar un espacio controlado y cercano donde pueden dar servicios muy específicos y también obtener datos precisos de las acciones de los usuarios.

La tendencia a conectar a Internet un número cada vez mayor de objetos a nuestro alrededor en lo que se conoce como «Internet de las cosas» implica que hay cada vez más máquinas intercambiando datos y detectando nuestros movimientos. Los asistentes de voz que ahora comercializan empresas como Google, Amazon y Apple nos ofrecen la posibilidad de hablar con un asistente automático que puede ayudarnos en muchas tareas, pero también nos está escuchando constantemente. Algunos, como Echo Look de Amazon, incluso nos hacen fotos y nos dicen cómo deberíamos vestirnos.

El hecho de tener estas máquinas en casa, formando parte de nuestra vida cotidiana y familiar pero a la vez recogiendo datos para una empresa, nos lleva a pensar en el concepto de siniestro, que Freud identifica como ligado con el ámbito doméstico, con el que es familiar, pero al mismo tiempo extraño y desconocido.

Un ejemplo de lo que se denomina siniestro, según indica Freud, son los autómatas, las muñecas y en definitiva todos aquellos «dobles» de los que podemos llegar a dudar si están vivos o no.

Llevado al ámbito de nuestra relación con la tecnología, el «doble» es nuestra propia imagen convertida en datos que nos describen, robada en una foto tomada en la calle o extraída de las redes sociales y en definitiva nuestro otro ego que es el perfil digital que mantenemos en todo tipo de plataformas en línea. Tal vez un día nos podrán recrear a partir de nuestros datos …

El curriculo escolar es un extenso documento que detalla el plan de estudios de una etapa, es decir, qué enseñar, cuando, en qué momento y de qué manera.

Solemos entender el curriculo escolar como un documento cerrado e inamovible. Su compleja articulación y su organización en materias y cursos escolares de progresión vertical tiende a ofrecernos una visión lineal y compartimentada de los contenidos y los conocimientos que abarca cada asignatura y favorece que, dadas las condiciones en las que se desarrolla la práctica docente (clases cortas, horarios fragmentados y sin conexiones entre materias, etc..) a menudo utilicemos el curriculo como guia pero también como límite, como frontera que dificulta la conexión con otros conocimientos.

El documento de 378 páginas del decreto que establece el curriculo actual para Secundaria y Bachillerato envuelve nuestra práctica docente definiendo el ámbito de conocimiento de nuestra asignatura y sus contenidos, pero al mismo tiempo nos aisla de otros conocimientos que suceden precisamente en el aula del al lado, o en los momentos previos o posteriores a nuestro trabajo en el aula.

Pero los contenidos no son conocimientos estancos, sino que evolucionan, se transforman y se completan desde otros enfoques disciplinares. ¿Sabemos cuales son los nexos de nuestra materia con otras materias? ¿los tenemos en cuenta al planificar las clases y las actividades? ¿sabemos donde se abren caminos que conectan las artes con las ciencias? ¿la literatura con la geografía o la historia?

Si bien la organización del sistema educativo español para las etapas de primaria y secundaria no es precisamente flexible y transversal, nada impide que establezcamos aproximaciones personales a sus directrices, que definamos itinerarios propios que en momentos puntuales transiten entre materias, hipervínculos que nos lleven hacia otros contenidos, otras asignaturas y otros enfoques, estableciendo complicidades con otros docentes y diseñando actividades que propicien aproximaciones poliedricas a los contenidos, visiones múltiples que involucren saberes y disciplinas diversas, aproximaciones que evidencien los vínculos y la contaminación entre asignaturas.

Una lectura transversal del curriculo es un buen ejercicio para activar este tipo de aproximación. Revisar los contenidos de otras materias desde la mirada de nuestra asignatura ¿De qué manera, en el caso concreto de las materias relacionadas con la educación plástica y visual, se relacionan los contenidos de otras asignaturas con los recursos y materiales que activamos en nuestras aulas?

Intervenir el curriculo es hacerle preguntas, cuestionar su linealidad y buscar otras configuraciones que, desde posiciones transversales, conecten los aprendizajes y construyan relatos en conexión con otras materias pero también con cuestiones de índole social y personal, con los grandes desafios de nuestra contemporaneidad y con saberes no legitimados curricularmente pero que forman parte de la vida de los estudiantes.